Archives par étiquette : Théâtre de la Bastille

Cellule

Conception, danse, texte et images, Nach – au Théâtre de la Bastille, dans le cadre du festival Faits d’hiver.

Dans sa famille on dansait beaucoup, ne serait-ce que pour rendre les difficultés de la vie plus supportables, et même joyeuses. Anne-Marie Van, de son nom de scène Nach, est née à la danse par ses expériences : familiale, de la pratique du krump – un mouvement né dans les quartiers pauvres de Los Angeles dans les années 2000, qu’elle a pratiqué sur le parvis de l’Opéra de Lyon et sur les toits de la porte de Montreuil – par les rencontres et les influences dont elle s’est nourrie. Elle a un jour osé franchir le pas en montant sur scène et développe aujourd’hui un vocabulaire très personnel.

La rencontre avec Heddy Maalem avec qui elle a dansé dans Éloge du puissant royaume puis dans Nigra sum, Pulchra es, et dans un solo écrit pour elle d’après Le Cantique des cantiques, puis l’admiration de Bintou Dembélé, danseuse et chorégraphe, pionnière de la danse hip-hop, lui ont donné le courage de se lancer, seule, et la conviction qu’elle pouvait trouver sa place dans la galaxie chorégraphique. Heddy Maalem l’a vivement encouragée. Nach s’est aussi nourrie d’autres influences qui lui ont permis de trouver sa propre inspiration, elle évoque entre autres un clip des Chemical Brothers, Galvanise, ainsi que le film Rize, de David Lachapelle qui par sa danse hyper puissante évoque pour elle les rituels haïtiens.

Ouverte sur les arts graphique, visuel et poétique, elle communique dans la danse ses sensations et vibrations avec un grand art du contraste et de la rupture. Ses formations sont multiples, de l’école de la rue à l’école de la vie à travers une sensibilité et une réflexion qui la poussent à avancer se sont mêlées des expérience et recherches qu’elle a menées jusqu’au Japon où elle fut en résidence un temps à la Villa Kujoyama. Les danseurs de butô l’ont fascinée ainsi que l’univers photographique d’Antoine d’Agata autour de la drogue et du sexe, et les photographies en noir et blanc de Francesca Woodman, artiste à la courte vie dont l’œuvre oscillait entre rêve et cauchemar.

La multiplicité de ces rencontres et de ces influences a pétri l’expression de Nach, qui a pris son destin en mains. Cellule est son premier solo, créé en 2017, inspiré du court-métrage Ai (Love) de Takahiko Iimura, un film poème qui ouvre sur la sensualité du corps, sujet qu’elle reprend, ainsi que les concepts de désir et d’indomptabilité. Car elle se reconnaît avant tout dans un autre concept, celui de guerrière, issu du mouvement krump et qui indique le moment où on entre dans le cercle pour affronter l’autre.

Cellule s’ouvre sur des photos argentiques de sa communauté qu’elle avait prises, avant qu’elle n’apparaisse dans le silence de panneaux qui s’ouvrent et lui offrent le passage. Elle propose une méditation sur la place qu’on assigne à chacun et qui crée comme un enfermement, une clôture. Elle tape les rythmes, s’éclaire à la lueur d’une lampe de poche et provoque des jeux d’ombre, fabrique des écritures, projette des images où elle danse nue.

Plus tard elle sculpte l’espace rougi d’un incendie, s’accompagne de chants spirituals, puis d’une partition de piano, sublime, danse au sol. Elle écrit son spectacle qu’elle maitrise magnifiquement, invente des gestuelles autour du vêtement, lance les bras, joue des mains, prend des pauses-photos élaborées.

Les mots-clés qui la caractérisent sont énergie, engagement, rythme, expressivité, identités multiples. Pour preuve ce solo, Capture, qui ouvre vers un langage du corps très personnel et flamboyant.

Brigitte Rémer, le 12 février 2024

Conception, danse, texte et images Nach – création lumière et décors Emmanuel Tussore – régie générale et régie son Vincent Hoppe – construction décors Boris Munger et Jean-Alain Van – production, diffusion et administration Alice Fabbri Valérie Pouleau

Vendredi 26 janvier à 20h30, samedi 27 et dimanche 28 janvier à 18h30, au Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette. 75011. Paris – tél. : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille.com et www.faitsdhiver.com

The Power (of) the Fragile

Chorégraphie Mohamed Toubakri – interprétation Mimouna (Latifa) Khamessi et Mohamed Toubakri – au Théâtre de la Bastille, dans le cadre du festival Faits d’hiver,

Dans The Power (of) the Fragile, un homme et une femme arrivent de la salle en discutant tranquillement entre eux, en arabe tunisien. Ils poursuivent leur chemin, montent sur scène en continuant leur conversation d’une façon très détendue. Mohamed Toubakri fait visiter le théâtre à une apprentie danseuse et lui détaille tous les équipements en traduisant les mots techniques du fonctionnement du plateau : projecteurs, fils, son, coulisse, etc. Cette apprentie-danseuse n’est autre que Latifa, sa mère, et la transmission se fait ici en sens inverse, du plus jeune à la plus âgée. Débute l’atelier dans lequel elle ébauche un geste, attentive et tendue vers la démonstration, puis un second mouvement, fragile encore. Elle s’initie aux positions et aux figures, et capte tout, se positionne au centre, dans un rond de lumière, sa présence est belle et chargée. Puis elle se lance dans des enchaînements et entre dans la danse avec un pas de deux. Son fils-pygmalion, son guide, assure les portés. La musique les accompagne.

Derrière la rencontre entre la mère et le fils, singulière en soi, qu’ils réalisent avec une grande simplicité et beaucoup de tendresse, Mohamed Toubakri raconte le parcours et le fondement de sa démarche : Latifa a toujours voulu être danseuse, c’était son rêve d’enfance, il l’a su il y a une huitaine d’années seulement, lui qui s’était adonné au breakdance dès l’âge de douze ans avant de se former à l’Académie Internationale de la Danse à Paris, puis dans l’école que dirige Anne Teresa De Keersmaeker, P.A.R.T.S., à Bruxelles. Il a travaillé avec de grands chorégraphes, dont Jan Lauwers et Sidi Larbi Cherkaoui. Quand il a pu inviter sa mère à venir travailler avec lui, après sa naturalisation belge, en 2018, il lui a offert ce à quoi elle n’avait jamais pu s’autoriser dans la société tunisienne, se chercher dans la danse et trouver ses espaces de liberté, il lui a proposé un contrat de travail, pour danser. C’est un geste politique en même temps qu’un geste de tendresse.

Huit semaines pour monter cette pièce est un temps court. Mohamed Toubakri explique : « j’ai été confronté au fait que ma mère montait sur scène pour la première fois. Quand nous nous mettons à danser, nous ne parlons pas le même langage, j’ai donc dû déconstruire ma façon de communiquer et de transmettre, retourner aux fondamentaux sans pour autant simplifier. » De plus au sein de l’équipe il est le lien, faisant fonction de traducteur du tunisien au français et vice versa autant que faire se peut.

On est donc face à une pièce atypique, entre la virtuosité du danseur dans l’exigence de son art et la fragilité d’une danseuse non-professionnelle loin des normes de la danse, et dont il raconte l’histoire. La rencontre fonctionne magnifiquement et les deux mondes s’approchent dans la bienveillance et le plaisir d’être là. La chute du spectacle est inattendue et pleine d’humour, elle transforme l’héroïne en figure totem et sacrée, vierge-mère et grande prêtresse vêtue d’un manteau cérémoniel. On est dans le clin d’œil et le ludique.

L’idée était osée, Mohamed Toukabri l’a développée avec simplicité et dans les moindres vibrations. Dans The Power (of) the Fragile, il abolit les styles et joue de l’intergénérationnel et de l’interculturel. C’est plein de vie et de complicité tendre, c’est un échange privilégié entre un fils et sa mère.

Brigitte Rémer, le 10 février 2024

Concept et chorégraphie Mohamed Toukabri – performance Mimouna (Latifa) Khamessi, Mohamed Toukabri – dramaturgie Diane Fourdrignier – création lumière et scénographie Lies Van Loock – conception sonore et conseil artistique Annalena Fröhlich – coordination technique de la tournée – matthieu Vergez – régie son Paola Pisciottano – costumes Ellada Damianou – recherche et développement Eva Blaute – stagiaire Constant Vandercam.

Vendredi 26 janvier à 19h, samedi 27 et dimanche 28 janvier à 17h, au Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette. 75011. Paris – tél. : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille.com et www.faitsdhiver.com

Blind Runner

Texte et mise en scène Amir Reza Koohestani, Mehr Theatre Group, spectacle en persan surtitré en français – au Théâtre de la Bastille, dans le cadre du Festival d’Automne.

Elle, est prisonnière politique, son mari lui rend fréquemment visite, attitudes et états d’esprit fluctuent. Sous le regard des caméras de surveillance le fossé se creuse, le quotidien de la prison ne se raconte guère. Leur point commun, la course, qu’ils essaient de pratiquer l’un et l’autre, de chaque côté du mur de séparation : « On inspire, on expire ensemble » jusqu’à ce qu’elle lui fasse savoir qu’en fait rien ne lui manque, si ce n’est le marathon. » Une troisième figure vient s’intercaler, celle d’une jeune femme devenue aveugle suite à une balle reçue lors d’une manifestation. Comme eux qu’elle a rencontrés, elle espère fuir son pays pour rejoindre l’Angleterre. Pour y arriver, elle s’entraine à courir avec détermination, son projet étant de couvrir de nuit les vingt-sept kilomètres du tunnel sous la Manche pour en minimiser les risques.

Un jour, la femme cherche à convaincre son mari de guider la jeune aveugle lors d’une course qui se tient à Paris, à laquelle elle doit participer et recevoir une médaille. Ill finit par accepter, la conversation entre eux est devenue si difficile. Il s’entraîne avec elle, une jeune femme banale, dit-il, à la recherche d’un rythme commun. De France, elle le retient et tous deux prennent la décision de ne pas rentrer et de tenter ce passage pour l’Angleterre auquel elle a tant rêvé, de nuit, et le plus rapidement possible pour ne pas risquer d’être percutés par le premier train du matin.

Quand ils pénètrent dans le tunnel, en courant, et que défilent les murs qu’ils longent, la caméra se substitue aux yeux défectueux de la jeune aveugle, et la bande-son entre en action. Alors survient le vrombissement d’un train.

La forme du spectacle, très rigoureuse, met en jeu l’image qui fait le va-et-vient entre les personnages au plateau, le couple, côte à côte et qui ne se touche pas, et les gros plans de leurs visages qui s’affichent sur un immense écran, en fond de scène. Le couple court réellement sur scène et s’épuise. Et l’image, comme le plateau nu, donne une impression d’immensité, alors qu’on est dans le parloir de la prison. L’image traduit l’espace de liberté auquel ils aspirent.

Derrière cette métaphore de la recherche de liberté par la course, Amir Reza Koohestani, auteur et metteur en scène iranien, parle de sa vie, de la société iranienne, de ses espoirs. Il a personnellement tenté la course et éprouvé cette illusion de libération d’une part, d’autre part il a observé les images des Jeux paralympiques de Tokyo que lui montrait la dramaturge, où des aveugles courent de toute leurs forces, attachés l’un à l’autre par la main. Enfin, derrière son récit se profile le sort de nombreux prisonniers politiques et se joue le destin d’une population souvent privée de ses droits.

Né en 1978 à Shiraz, Amir Reza Koohestani écrit dès l’âge de 16 ans, puis suit des cours de mise en scène et de réalisation. Il tourne deux films restés inachevés avant de se consacrer à l’écriture de pièces de théâtre, il a 20 ans. Sa troisième pièce, Dance on glasses, est présentée au Théâtre de la Bastille en 2005 et le projette sur les scènes européenne et internationale. Depuis il en a écrit et monté beaucoup d’autres, dont Hearing qu’il a présentée au Théâtre de la Ville de Téhéran en 2015 avant de la présenter au Festival d’Avignon, puis au Théâtre de la Bastille, en 2016. Elle est le second volet d’une Trilogie dont la première s’intitule Timeloss, présenté en 2014 au Théâtre de la Bastille et la troisième Summerless, présentée au Théâtre National de Bretagne à Rennes, en 2018.

L’actrice et l’acteur qui interprètent les personnages de Blind Runner, Ainaz Azarhoush et Mohammad Reza Hosseinzadeh, ne ménagent pas l’énergie que demande la course, et intériorisent en même temps ce qui ne peut se dire, ils sont remarquables. La facture du spectacle par ailleurs interpelle par sa sobriété et met en lumière ce que privation de liberté, silence, et répression, veulent dire.

Brigitte Rémer, le 28 octobre 2023

Avec : Ainaz Azarhoush et Mohammad Reza Hosseinzadeh. Dramaturgie Samaneh Ahmadian – assistant à la mise en scène Dariush Faezi – lumières et scénographie Éric Soyer – vidéo Yasi Moradi, Benjamin Krieg – musique Phillip Hohenwarter, Matthias Peyker – costumes Negar Nobakht Foghani – traduction française et adaptation surtitrage Massoumeh Lahidji – opératrice surtitres Negar Nobakht Foghani – directeur de production Pierre Reis – Bureau Formart – assistante logistique et communication Yuka Dupleix – Bureau Formart

Du 5 au 20 octobre 2023, au Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette. 75011. Paris – sites : www.theatre-bastille.com – www.festical-automne.com – www.mehrtheatregroup.com – tél. : 01 43 57 42 14.

Le Silence et la peur

La vie, la musique et l’engagement de Nina Simone – Texte et mise en scène David Geselson, Compagnie Lieux-dits, au Théâtre de la Bastille, en français et en anglais surtitré.

« Toute ma vie j’ai voulu crier mon sentiment d’être emprisonnée. Je connais le silence qui crée cette prison, comme chaque Noir le connaît » disait Nina Simone, en 1967. Pianiste, chanteuse, compositrice et arrangeuse, elle est dans le premier carré des plus grandes chanteuses de jazz de l’histoire avec Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan et Billie Holiday. Son style singulier est issu de la fusion de chansons gospel, du jazz et de la pop avec la musique classique. Derrière son exceptionnel talent musical, le spectacle témoigne de son parcours personnel et de son engagement face au racisme et à la ségrégation dont elle a comme tant d’autres, été victime, mêlant réalité et fiction. Issue d’une lignée Cherokee ayant survécu au génocide des Amérindiens – son arrière-arrière-grand-père était un esclave noir africain, Nina Simone était devenue l’une des porte-voix du mouvement afro-américain pour la défense des droits civiques. On la voit ici crier son indignation.

Peu de musique et peu de chant au cours du spectacle, une présence exceptionnelle de l’actrice qui interprète le rôle de Nina Simone – Dee Beasnael, Américaine d’origine ghanéenne s’exprimant en anglais – pour laisser percevoir le talent, les misères, les troubles et les rébellions de cette grande figure iconique, au gré des situations et des rencontres avec les personnes-clés de sa vie. Le salon-salle à manger est déjà habité avant que le public s’installe, un canapé, une grande table et des chaises, un miroir et de petites lampes d’atmosphère. La scénographie de Lisa Navarro et les lumières de Jérémie Papin se modulent au fil de l’action laissant un espace vide pour certains monologues où Dee Beasnael, face au public, nous prend violemment à témoin.

Il y a de la fluidité dans les entrées et sorties des personnages, cinq acteurs d’un générique métissé et bilingue arrivant de différents points pour prendre place dans ce cruel manège de la vie et de l’Histoire qui s’inscrit chronologiquement dans cette biographie : le père de Nina Simone, John (Kim Sullivan), son premier amour Edney qui devient Andy le manager qu’elle épouse et dont le langage se transforme en violence (Jared McNeill), sa professeure de piano, Muriel (Laure Mathis) chemisier blanc et jupe rose plissée, actrice dans Doreen, le précédent spectacle de David Geselson, son mari, Jean-Louis (Elios Noël) qui avait collaboré à la mise en scène. Avec eux on refait l’histoire de l’esclavage, notamment transatlantique : les Amérindiens décimés par l’arrivée des Européens porteurs d’épidémies comme la variole à la fin du quinzième siècle, début du seizième, Christophe Colomb croyant découvrir les Indes alors qu’il s’agissait d’îles de l’archipel américain des Caraïbes, un peu plus tard la Barbade, « terre volée » découverte par les Portugais, la traite des Noirs tout au long de l’histoire jusqu’à l’abolition, en 1865.

Enfant prodige, Eunisse Kathleen Waymon (1933-2003), qui deviendra plus tard Nina Simone, accompagne sa mère, prédicatrice méthodiste et qui joue de l’harmonium à l’église, dès l’âge de quatre ans. Mais c’est la musique classique qu’elle apprend très tôt et qui la captive, Bach, Debussy et tous les autres pour lesquels elle manifeste un véritable talent. À sept ans elle veut devenir pianiste concertiste, le racisme l’en empêchera mais la jeune pianiste est remarquée par la patronne de sa mère – qui travaille aussi comme femme de ménage depuis le krach financier de 1929 – et qui lui conseille d’encourager les dons de sa fille. Elle rassemble l’argent pour payer ses cours de piano et la présente à Muriel dite Miss Mazzy qui devient pour elle comme une seconde mère, « ma mère blanche » dit-elle, et c’est elle, Miss Mazzy qui ouvre le spectacle. Pendant six ans, tous les samedis matin, Eunisse se rend chez elle pour travailler. A quatorze ans elle quitte la maison et part se perfectionner, mais à dix-huit se voit refuser une bourse d’étude à l’Institut Curtis, institut supérieur de musique de Philadelphie, alors qu’elle est déjà brillantissime, acte raciste probable.

Elle visait à être la plus grande concertiste noire américaine, son rêve s’écroule, elle est alors prête à tout laisser tomber. Elle assure des petits boulots, dans un labo photo, donne des cours, travaille dans un bar et finalement fait son premier concert dans un club minable, à Atlantic City où elle joue du piano et où n’ayant pas consenti à chanter, ne sera tout bonnement pas payée. Pour que ses parents ne la repèrent pas elle change de nom, c’est là qu’elle devient Nina Simone – Nina en référence à Niña, petite fille en espagnol surnom que lui avait donné un ami et Simone en hommage à l’actrice Simone Signoret qu’elle admirait après l’avoir vue dans Casque d’or. Un peu plus tard, elle joue et chante de sa voix envoûtante dans différents clubs, mélangeant gospel, jazz, blues et classique, c’est à cette période qu’elle est repérée par un label qui vient la chercher pour l’enregistrement d’un morceau de Porgy and Bess. Ce sera son premier vrai succès.

À partir des année 1960 elle s’engage dans le mouvement de défense des droits civiques et sa musique est très influente dans la lutte pour l’égalité des droits que mènent les Noirs américains aux États-Unis. Elle restera pour eux une source d’inspiration. « Européens, Occidentaux, nous sommes aussi les héritiers de ces blessures, infligées ou subies » dit David Geselson, auteur et metteur en scène qui raconte ce destin plein d’embûches. Nina Simone arrive à New-York en 1958 et se produit dans les clubs branchés de Greenwich Village avec un répertoire éclectique. Le 12 avril 1963, c’est au Carnegie Hall qu’elle se produit, le jour où Martin Luther King est arrêté à Birmingham, en Alabama.

Parallèlement à ce morcellement du monde et à ses clivages, sa vie se morcèle dans la complexité de sa carrière jusqu’à ce qu’on la déclare souffrir de troubles dissociatifs de la personnalité pour lesquels elle sera hospitalisée en 1986. Elle s’est séparée de son mari et manager violent, qui a géré les ressources du ménage à sa manière et sans déclaration. Elle s’est emportée contre son père qu’elle soutenait financièrement après lui avoir dit ses quatre vérités et n’assistera pas à son enterrement. Guidée et accompagnée par sa professeure de musique, sa bonne étoile, détruite, elle s’installe à la Barbade et porte cette « cicatrice qui ne guérit pas… » Miss Mazzy et son époux lui redonnent confiance en remontant le temps pour elle, avec tendresse : « Tu es devenue Nina Simone, Anubis ! » cette figure entre chien, loup et chacal à demi-sauvage qu’on trouve dans les nécropoles, Nina Simone… « Ils ont eu ma peau avec le poison de la peur » répond-elle. Elle fait quelques allers-retours en France avant de s’y installer en 1993, près d’Aix-en-Provence où elle passera les dernières années de sa vie.

L’écriture de David Geselson témoigne et interprète, croisant le réel et l’imaginaire. Autour de Nina Simone, la figure du père en commandeur, lui offrant du Bach à chaque anniversaire et qui plus tard sait tirer profit de sa notoriété ; son manager qui l’épouse pour mieux l’emprisonner et exploiter son talent, son argent ; elle, dans le parti-pris de la vie qui choisirait plutôt la maternité aux incessantes tournées. « Je vis là entre ces deux mondes, noir et blanc. Je suis et en même temps ce n’est pas moi… » Elle avance en essayant de se protéger de la peur qui l’aura toujours habitée et de conjurer la barbarie du monde. Sa colère est immense, l’actrice ici l’exprime avec énergie et conviction selon l’angle de vue choisi par le metteur en scène, celui du projecteur braqué sur les blessures, la discrimination et la ségrégation, l’exploitation des humains et l’esclavage, y mettant toutes les références, de Malcolm X, à Luther King en passant par Nelson Mandela.

Le Silence et la peur nous place sur son chemin d’émancipation et les combats d’une femme blessée, sa descente aux enfers, « Je suis un cygne noir » dit-elle. Sa voix de velours tourne dans nos têtes, même si le spectacle ne nous l’offre pas : My Baby Just Cares for Me sa chanson d’amour emblématique, Mississipi Goddam la déchirante chanson de son premier enregistrement chez Philips, en réponse à l’assassinat d’un défenseur des droits de l’homme, Medgar Evers et à un attentat dans un église baptiste de Birmingham ayant tué quatre enfants Noirs. Sans oublier Ne me quitte pas en version française. Les acteurs sont souvent face public, un brin statique, mais l’essentiel est là avec la culpabilité blanche qui s’inscrit en creux et la leçon de vie d’une grande Dame courageuse et talentueuse, Nina Simone, qui a su donner du sens à sa vie et à sa musique « Ne plus avoir peur, c’est ça la liberté… » conclut-elle.

Brigitte Rémer, le 5 avril 2023

Avec : Dee Beasnael, Jared McNeill, Elios Noël, Kim Sullivan et Laure Mathis en alternance avec Marina Keltchewsky (qui jouera les 20, 21 et 22) – assistants à la mise en scène Shady Nafar (création), Julien Fisera (tournée) – scénographie Lisa Navarro – assistante scénographie Margaux Nessi – lumières Jérémie Papin – assistante lumières Marine Le Vey – régie lumières Rosemonde Arrambourg – vidéo Jérémie Scheidler – Assistante vidéo Marina Masquelier – régie vidéo Julien Reis – son Loïc Leroux – régie son Adrien Wernert – costumes Benjamin Moreau – réalisation costumes Sophie Manac’h – régie générale Sylvain Tardy – traduction Nicolas Elliott et Jennifer Gay – construction décors Ateliers décor du Théâtre de la Cité/CDN Toulouse-Ocitanie.

Du 16 au 27 mars 2023 à 20h30, dimanche 26 mars à 17h, relâche le dimanche 19 mars et le jeudi 23 mars – au Théâtre de la Batille, 76 rue de la Roquette, 75011. Paris – tél. : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille. com

Nous revivrons

Conception, mise en scène et scénographie Nathalie Béasse, d’après L’Homme des bois d’Anton Tchekhov, au Théâtre de la Bastille.

Ça commence par la présentation des personnages et un gâteau d’anniversaire aux cinq bougies, porté par Elena/Sonia dans une scénographie épurée, au mur de fond de scène blanc et au sol gris clair, avec juste une table et des chaises côté cour. Arrivent deux jeunes hommes, Mehmet, désigné comme l’Homme des bois et Sacha qui écrit depuis vingt-cinq ans et « remue du vent. » Piano, flûte, accompagnent les trois jeunes acteurs aux vêtements et comportements très ordinaires et qui tout à coup, par quelques éléments, construisent l’univers tchekhovien : une tête de cerf en effigie appelle la chasse et la campagne russe, un foulard signe de la babouchka, une langue étrangère, un faisan-épervier.

Les deux hommes et la femme – trois jeunes acteurs issus du programme 1er Acte porté par le Théâtre national de Strasbourg et relayé ici par le CDN de Colmar – Mehmet Bozkurt, Soriba Dabo et Julie Grelet se mettent à jouer comme jouent les enfants, glissant dans l’imaginaire et l’extravagance, se déguisant. Ils racontent. L’Homme des bois, Khrouchtchov, dit le Sauvage, replante les arbres au fur et à mesure que les hommes les arrachent, « Ne pas abattre les forêts. Détruire ce que nous ne pouvons pas créer… Bientôt il ne restera rien sur terre… » autant de mots qui nous parlent et qui sont portés d’une manière ludique. Les acteurs courent, tombent, accélèrent, dansent, s’envolent, avec une grande liberté, comme s’ils étaient poursuivis, entre calme, inquiétude et peurs, et dans une multiplicité d’actions qui ne mènent à rien si ce n’est au jeu dans le jeu. « J’ai fait un rêve… Le vent s’est levé… Il va pleuvoir… Je veux vivre… » Ils gravent l’empreinte de leur visage dans ce plastique volant, léger comme la soie et poussé par des ventilateurs comme autant de nuages dans un ciel dégagé. Une petite lumière les appelle, espérance ?

Dans leurs différentes actions-réactions ils déposent une rangée de seaux et une bataille de terre s’engage avant que n’en soit versé au centre du plateau le contenu, une terre noire dans laquelle la jeune actrice, dans la pièce Elena Andreïvna, s’enracine, portant diadème de fleurs blanches, image de mort et de résurrection. Ses mots : « Parfois, quand vous marchez, par une nuit noire, dans la forêt, et qu’en même temps il y a une petite lumière qui brille dans le lointain, alors, au fond de l’âme, sans trop savoir pourquoi, vous vous sentez si bien, vous ne remarquez ni votre fatigue, ni l’obscurité, ni les ronces qui vous frappent en plein visage… » Les acteurs dessinent sur le sol couvert de terre des signes cabalistiques, construisent un château et l’Homme des bois, piétinant trois brindilles, écrase sa forêt. « Le bonheur, vous ne le trouvez nulle part… Ne pas penser au bonheur. »

Il pleut sur les visages avec l’eau versée ou la tête plongée dans un seau. L’un se cache sous une grande bâche, l’autre scie une planche, jusqu’à ce que les trois acteurs-personnages se retrouvent devant le mur blanc qu’ils couvrent à coups de pinceaux et rouleaux de leurs traits de peinture. L’ensemble forme un tableau, la forêt, aux taches de couleurs, dans des dégradés de vert, brun, bleu, paysage d’une Russie rêvée. Pourtant, « tout le monde fait la guerre à tout le monde, le passé n’existe plus, il a été bêtement gaspillé » métaphore de la Russie ancestrale si proche de la Russie d’aujourd’hui.

Écrite en 1889 dans une période heureuse de la vie de Tchekhov, L’Homme des bois est une comédie en quatre actes, créée au Théâtre Abramov et sitôt retirée de l’affiche après quelques représentations. Elle est considérée comme le brouillon d’Oncle Vania et se termine par « je veux vendre le domaine… Je deviens fou… » Dans la proposition de Nathalie Béasse peu importe la narration elle travaille sur l’écho et les réminiscences, peu importe les personnages c’est une traversée où ils vont et viennent, et où ils se superposent. La metteure en scène travaille sur la perception, nous l’avions évoqué dans un spectacle précédent, Ceux-qui-vont-contre-le-vent (dans ubiquité-cultures du 20 février 2022). Elle dessine un monde de l’enfance, rassurant comme inquiétant, en toute liberté et inspiration, monde ponctué de chansons et extraits musicaux. Son univers est visuel et elle accompagne les acteurs dans leur naturel et leurs inventions selon les fils qu’elle enchevêtre, se situant entre performance et installation.

Brigitte Rémer, le 18 mars 2023

Avec Mehmet Bozkurt, Soriba Dabo, Julie Grelet – assistant Clément Goupille, avec la complicité de Sabrina Delarue et Étienne Fague – régie générale Loïs Bonte – régie Bastille Marc Brunet.

Jusqu’au 31 mars 2023, du 15 au 27 mars à 19h, du 28 au 31 mars à 20h. Théâtre de la Bastille, 78 rue de la Roquette. 75011. Métro : Bastille – site : www.theatre-bastille.com – tél. : 01 43 57 42 14

Playlist Politique

Conception, écriture et mise en scène Émilie Rousset, Compagnie John Corporation, au Théâtre de la Bastille – en coréalisation avec le Festival d’Automne à Paris.

Analyser le rapport entre la promotion d’un événement politique dans sa théâtralité, et sa traduction musicale, telle est la commande à laquelle la conceptrice Émilie Rousset tente d’apporter sa réponse, avec pour exemple l’Ode à la Joie de Ludwig van Beethoven. L’actrice, Anne Steffens, nous fait naviguer sur la toile devant les arborescences de son Mac et installe un climat de chuchotements car à la maison où elle fait ses recherches, son enfant dort et rêve, peut-être construit-il des mondes imaginaires, l’acteur Manuel Vallade s’improvise en mère.

Dès le départ, Émilie Rousset prend de la distance avec le sujet et annonce la couleur, ludique, ironique, fantaisiste plutôt que d’analyse musico-politique. Elle choisit trois moments politiques emblématiques, dans le rayon grandiose : le premier, l’intronisation d’Emmanuel Macron dans la cour du Louvre, accompagné de la finale du quatrième et dernier mouvement de la IXème symphonie de Beethoven, l’Ode à la Joie, sa longue marche en solitaire évoquant celle de son prédécesseur François Mitterrand, au Panthéon. Avec Manuel Vallade dans le rôle-titre de Président de la République, les images qui accompagnent le spectacle reconstituent la marche solennelle de Macron I dans la cour du Louvre pour en « révéler » le côté grandiloquent. Merci Roselyne répète-t-il à l’attention de sa ministre de la Culture

Le second moment, le prestigieux cérémoniel de la Chancelière allemande, Angela Merkel, en décembre 2021 quand elle quitte ses fonctions, accompagnée de la chanson de l’icône punk Nina Hagen, Du hast den Farbfilm vergessen/Tu as oublié la pellicule couleur, véritable tube en Allemagne de l’Est d’où est originaire la chancelière, sorti en 1974 en pleine guerre froide : problème, son parolier, Kurt Demmler accusé de pédocriminalité s’était suicidé en prison, la Chancelière ne le savait-elle pas ?

Le troisième moment est l’investiture de François Mitterrand au Panthéon, dans une mise en scène de Christian Dupavillon conseiller de Jack Lang pour l’architecture et le patrimoine, retransmission conçue pour la télévision où l’allegro assai vivace du quatrième mouvement de l’Ode à la joie interprété sous la baguette de Daniel Barenboïm a manqué tourner court. Porteur d’une rose rouge tout au long du parcours, après l’arrêt devant les tombeaux de Jean Moulin, Jean Jaurès et Victor Schœlcher – en partie couvert par une immense clameur et les pétarades des motos présidentielles, le chef d’orchestre laisse tomber sa baguette et s’interrompt brusquement. Il acceptera finalement de reprendre et redémarrera tout le mouvement, depuis le début, décalant ainsi le minutage présidentiel. La cérémonie avait failli virer au fiasco..

Un quatrième et dernier round nous mène dans un grand débat, où les acteurs se réapproprient les joutes verbales des entre-deux tours. Puis le canevas-texte revient sur le choix de L’Ode à la joie, composée sur un poème de Friedrich von Schiller, devenue symbole officiel de l’Union Européenne et représentant l’Europe. Tous savaient que son adaptateur-arrangeur en était Herbert von Karajan dont le comportement pendant la guerre fut marqué de petits arrangements avec le parti nazi. Comment a-t-on pu promouvoir une telle personnalité ambassadrice de l’hymne européen, lui permettant d’en percevoir les royalties ? La question se pose encore aujourd’hui autour de ce que seraient les contraintes d’État et de la question de la gestion du patrimoine culturel européen.

Toute rhétorique mise à part ce sont les petites histoires en coulisses qui prennent le dessus pour dévoiler les symboles des républiques via les images projetées, reprises par les commentaires des acteurs, Anne Steffens et Manuel Vallade, tous deux simples, justes et pertinents et s’adaptant à la multiplicité de leurs personnages : les oreillettes qui ponctuent le tempo de la marche, les roses remises à Mitterrand au fur et à mesure de la cérémonie, prêtant à un jeu de cache-cache derrière les piliers et à une dispute pour honorer la facture des fleurs… Le commentaire de Romain Rolland : « Tout ce que l’État touche, il le tue. » Le spectacle se ferme sur une visio-conférence et l’arrivée d’une douzaine de choristes et de leur cheffe de cœur exécutant la partition de Beethoven.

Dans Playlist Politique Émilie Rousset a exploré de nombreux documents et sources et a tiré un scénario assez subtil de ces moments-charnières dans la vie de nos démocraties mettant en images le pouvoir avec le décalage existant entre le réel et la fiction. Après s’être formée à l’école du Théâtre National de Strasbourg l’auteure/metteure en scène a réalisé performances et installations, films et pièces et créé son propre vocabulaire. On la connaît notamment pour son spectacle Reconstitution : le procès de Bobigny, créé en 2019 avec Maya Boquet où les spectateurs déambulaient de point en point pour entendre l’un des douze témoins qu’elles étaient allées interroger. Elle a présenté en 2021 au T2G de Gennevilliers dans le cadre du Festival d’Automne Les Océanographes puis en 2022 Rituel 5 : La Mort dans le cadre des Talents Adami et Playlist Politique où l’ironie et la parodie sont au rendez-vous.

Brigitte Rémer, le 12 décembre 2022

Avec : Anne Steffens et Manuel Vallade – avec la participation des choristes amateurs de la Queerale, sous la direction de Julie Furton : Lucie Broussin, Xavier Cartiaux, Jasmin Cichoki, Alex Cloos, Roxane Darlot-Harel, Marianne Garaicoechea, Maurane Guillemoto, Sophie Hebrard, Nicolas Hug, Jeanne Jeannot, Vic Krass, Oualid Latreche, Sarah Maeght, Ayefemi Mehou-Loko, Hugo Poindron, Sable Prost, Jonathan Rocheteau, Sylvère Santin, Charlie Trévu, Johan Tyszler, Anaïs Van Den Bussche, Vincent Vanel, Manon Vaux – création vidéo Gabrielle Stemmer – dramaturgie Simon Hatab – collaboration à l’écriture Sarah Maeght – régie lumière Clarisse Bernez-Cambot Labarta, en alternance avec Lucien Prunenec – régie vidéo et son Romain Vuillet – régie générale Jérémie Sananes – stagiaire à la mise en scène Elina Martinez.

Du 25 novembre au 7 décembre – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette. 75011. Paris – tél. : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille.com – En tournée : Points communs/Théâtre 95, Du ma 7 au jeu. 9 février 2023.

Coriolan

Texte William Shakespeare, traduction Jean-Michel Déprats, mise en scène François Orsoni, au Théâtre de la Bastille.

Après La Mort de Danton de Georg Büchner montée en 2016, puis Monsieur le député de Leonardo Sciascia, présenté en 2018, François Orsoni rembobine le temps et nous mène de Plutarque avec ses Vies des hommes illustres au Vème siècle avant JC, jusqu’au XVIème siècle de Shakespeare. La question du pouvoir et de la démocratie, l’intéresse.

Quand on entre dans la salle du Théâtre de la Bastille on se trouve face à l’Acropol(e) et les acteurs sont en place. La caste patricienne est lascivement installée sur les marches, face au public : telle une Athéna en majesté, la mère de Caius Marcius (Estelle Meyer) surnommé Coriolanus après la prise de la ville de Corioles, appartenant aux Volsques ; Coriolan donc, son fils (Alban Guyon) héros coléreux et violent, dur et hautain, qui a le goût des armes et fut de toutes les guerres que Rome mena contre ses voisins ; Ménésius, (Thomas Landbo) conciliateur pour le sénat, tentant de raisonner le peuple, miséreux, qui leur fait face : deux acteurs dans la salle, assis au même niveau que les spectateurs, l’un côté cour, l’autre côté jardin, qui apostrophent le public (Jean-Louis Coulloc’h et Pascal Tagnati).

Après hésitations et tergiversations Marcius présente sa candidature au consulat et convoite ce sommet de la hiérarchie des magistrats. Il échoue car les citoyens se rebellent, craignant que leurs droits nouvellement acquis leur soient retirés. Chassé par le peuple pour avoir souhaité la disparition du tribunal de la plèbe qui au Sénat représente leurs droits, Marcius/Coriolan est condamné à l’exil, malgré le simulacre de séduction auquel il se prête et la toge d’humilité qu’il revêt. Il change alors de direction et met ses capacités de stratège au service de ses anciens ennemis, les Volsques, se plaçant sous leur protection, avant de revenir mettre le siège devant Rome. Une délégation de femmes menée par sa mère le ramène à la raison, il entend leurs supplications et raccompagne ses troupes aux frontières du territoire romain, retournant chez les Volsques où il est finalement assassiné par une bande de conjurés.

Pièce historique ou bien tragédie, le texte met en exergue l’amour filial et la vertu des héros. C’est une pièce bavarde, qui laisse peu de place à la rêverie et au vagabondage. Les metteurs en scène ne s’y attardent guère. Christian Schiaretti l’avait mise en scène en 2006, plaçant la focale sur l’intemporalité du sujet. Ici les manœuvres politiciennes et l’hostilité du peuple qui sont au cœur de l’histoire en cette époque romaine, nous semblent lointaines, alors qu’elles pourraient nous renvoyer à nos démocraties chancelantes et nos politiques incertains.

Si les acteurs, toujours à vue, tirent leur épingle du jeu, la contemporanéité s’absente et la mise en scène de François Orsoni propose des images datées. Alors, pourquoi ne pas pousser le jeu à l’extrême, dans un grand péplum où ce héros militaire pourrait régner et douter dans sa Rome archaïque, en nous amusant un tout petit peu ?

Brigitte Rémer, le 14 septembre 2022

Avec : Jean-Louis Coulloc’h, Alban Guyon, Thomas Landbo, Estelle Meyer, Pascal Tagnati – bruitage Éléonore Mallo – lumières François Orsoni, Antoine Seigneur-Guerrini – scénographie et costumes Natalia Brilli – photographie François Prost After Party 2018 – régie générale Antoine Seigneur-Guerrini, François Burelli – création sonore et régie son Valentin Chancelle – régie Bastille Erwann Petit.

Du 12 septembre au 7 octobre 2022 à 20h, relâche les dimanches et le jeudi 15 septembre – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette, 75011. Paris – site : www.theatre-bastille.com et www.neneka.fr – tél. : 01 43 57 42 14.

Ceux-qui-vont-contre-le-vent

Conception, mise en scène et scénographie, Nathalie Béasse – au Théâtre de la Bastille.

On part de nulle part et on entre dans l’ailleurs pour arriver dans un jardin parsemé de pétales de fleurs de toutes couleurs jonchant le sol, dernière image du spectacle. Entre-temps le parcours se construit en lignes brisées, apparemment simples et évidentes, autour de trois fois rien. Mais que d’émotion ! On est au pays de l’enfance, du jeu sérieux comme quand on est petit, de l’hésitation, de l’expérimentation.

Les sept acteurs entrent par la même porte que le public, du fond de la salle, se hèlent et s’invectivent en différentes langues. Ils se plantent face aux spectateurs avant de monter sur le plateau, chargés d’une pile de linge. Ils la déplient et posent au sol ces vêtements dessinant au sol des bonhommes. Comme par magie les vêtements se déplacent tandis que les acteurs se changent et s’habillent, chacun à sa manière.

Le spectacle se construit en séquences qui s’articulent les unes aux autres et croisent différents thèmes. Attitudes et mouvements, situations et contextes priment. Certains passages accrochent leurs mots, bien choisis, aux branches. Il y a la lettre adressée à l’absent à laquelle chacun s’essaie et que chacun lit, que certains déchirent préférant le silence plutôt que l’aveu ou la blessure. S’y mêlent la correspondance de Flaubert et les mots de Duras, Rilke, Dostoïevski, Falk Richter et Gertrude Stein.

Autour des mots le silence, l’équilibre et la chute, la perte et la mémoire. Un bouquet de fleurs blanches va et vient, et la grande nappe blanche recouvrant la table abrite les acteurs qui disparaissent, un à un, avant de réapparaître. Une actrice tombe de la table et s’évanouit dans les bras d’un garçon en un mouvement récurrent. Des fleurs de couleurs sont plantées dans le sol, comme on lance des fléchettes dans la cible. Puis les acteurs se regroupent et se couvrant d’un plastique, deviennent sculpture. Le thème de la disparition-apparition est présent dans toutes les images. Puis vient le moment des seaux d’eau, et d’acteurs qui dérapent et qui glissent, dans un amusement débridé. Un seau plein de sang, ici de peinture rouge, provoque un silence de mort et l’immobilité des acteurs. En tableau de conclusion, devant le nymphée souterrain de la villa Livia, référence à l’empereur Auguste, les actrices font éclater une armée de ballons de toutes couleurs avec la main, le pied, les fesses, laissant au sol ce qui ressemble à des pétales de fleurs.

Le titre du spectacle Ceux-qui-vont-contre-le-vent, du nom d’une tribu, est cité dans une anthologie de poèmes amérindiens, Partition rouge. On trouve ici beaucoup de références dont une à Pina Bausch. Il y a surtout un bel état d’esprit sur le plateau, inventif et drôle, un charme dû aux acteurs, de la magie.

Le travail sur la réminiscence habite Nathalie Béasse, formée aux Beaux-Arts et au théâtre, habituée du Théâtre de la Bastille où elle avait présenté quatre spectacles en 2019, sous le titre Occupation 3. Montré au Festival d’Avignon 2021, Ceux-qui-vont-contre-le-vent, au-delà des mots, joue sur le rythme, les respirations, les pleins et les déliés, l’espace vide et les silences.

Brigitte Rémer, le 15 février 2022

Avec : Mounira Barbouch, Estelle Delcambre, Karim Fatihi, Clément Goupille, Stéphane Imbert, Noémie Rimbert, Camille Trophème. Musique Julien Parsy – création lumière Nathalie Gallard, construction décor Stéphane Paillard.

Du 3 au 18 février 2022 à 20h – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette. 75011. Paris – tél. : 01 43 57 42 14 – site : theatre-bastille.com

Illusions perdues

D’après Honoré de Balzac – adaptation et mise en scène Pauline Bayle, Compagnie À tire-d’aile, au Théâtre de la Bastille.

Le roman-fleuve de Balzac, Illusions perdues, appartient à La Condition Humaine, monument regroupant ses écrits de 1829 à 1850. C’est un récit initiatique dans lequel Lucien Chardon/de Rubempré quitte son Angoulême natale et monte à Paris pour faire connaître ses Sonnets, écrits avec fougue et passion. Idéaliste et plein d’illusions, il croit en son talent et en un avenir radieux et saisit la proposition de Madame de Bargeton son amante, de s’installer à Paris avec elle chez sa riche cousine qui le recommanderait dans les cercles d’écrivains. Paris est une fête, Paris est un théâtre. À son arrivée pourtant il en est tout autrement, Lucien n’est pas reconnu des milieux aristocrates car son nom le trahit, il s’appelle Chardon du nom de son père, petit pharmacien, et ne porte pas celui de sa mère, de Rubempré. Sa protectrice le lâche, il est alors relégué dans les hôtels minables et seul dans Paris, contraint de gagner sa vie.

Balzac suit le jeune homme de son ascension à sa chute, traversant toutes sortes d’étapes, de sa naïveté provinciale à la traque d’un emploi de journaliste, de sa découverte des cercles artistiques et littéraires corrompus à souhait où l’on se calomnie et se déchire, où les faux-semblants et la trahison sont le quotidien, jusqu’au désenchantement et à la chute.

Pauline Bayle a taillé au ciseau la matière balzacienne comme un sculpteur sa pierre, a distribué une vingtaine de personnages entre cinq acteurs/actrices parmi lesquels seul Lucien reste Lucien, a réparti le public en miroir, de part et d’autre d’un plateau carré, dépouillé, recouvert d’une poussière fine et pâle que l’on verra voler à la fin du spectacle, a donné le rôle de Lucien à une actrice (extraordinaire Jenna Thiam). Tout semble d’une grande simplicité et évidence et repose sur l’intelligence du concept et de la lecture qu’en fait la metteuse en scène et sur le talent des actrices/acteurs adaptant à vue tenues et accessoires avec trois fois rien, un foulard ou une veste, qui soulignent le personnage. Tout dans le spectacle est d’une grande fluidité et d’une grande maîtrise, le texte, l’espace, le geste.

La pièce débute par la lecture d’un sonnet écrit par Lucien et les applaudissements de Madame de Bargeton (Hélène Chevallier) depuis la salle où elle est assise, avant que le rideau ne se lève et révèle l’autre moitié des spectateurs, pendant qu’un narrateur raconte le voyage à Paris. Narrateurs, tous les acteurs le sont, à tour de rôle. Il nous est montré les coulisses d’un journal, son directeur intouchable, la réorganisation de la rédaction et les petits arrangements de chacun, le tarif d’un article. « Le journalisme est le châtiment des écrivains » lui dit Lousteau (Guillaume Compiano) qui deviendra son confrère, lui-même écrivain raté et journaliste de fait, qui lui montre la voie. Le milieu de l’édition et celui du théâtre sont aussi passés au crible sous l’angle des compromissions à tous les étages. « Les vers tueront la librairie » dit l’éditeur pressé (Alex Fondja) au Lucien encore plein d’espoir. Autour de lui, proie idéale entre spontanéité et ambition, l’étau se resserre et ses choix se réduisent comme peau de chagrin. Les dés seront jetés quand il tombera amoureux d’une actrice, Coralie (Charlotte Van Bervesselès) portée au pinacle tant qu’un amant de paille la portera, insultée et agressée jusqu’à sa destruction, ensuite.

Il est aussi question de liberté d’expression et Lucien entre à son tour dans la danse des compromissions, capable d’écrire tout le contraire de ce qu’il pense sur un livre et son auteur, au titre du règlement de compte avec l’éditeur. Cabales, déglingue, mensonges, changements de bord politique, joute d’improvisation verbale au micro et concours de lâcheté, telles sont les facettes offertes par Lucien et son entourage à cette bonne société parisienne, fière de sa capitale, ville tentaculaire et véritable personnage en filigrane, sur scène. Quand l’actrice interprète ce moment de théâtre montée sur un praticable, la tension dramatique est forte, elle l’est tout autant quand plus tard elle sera agressée à coups de sacs de boue, pendant la représentation. Deux autres anti-héros balzacien rôdent derrière les mots et images du spectacle, Rastignac, expert en luttes d’influences et Vautrin l’évadé du bagne.

Ces récits de vie qui s’entrecroisent, sous la houlette de Pauline Bayle, dégagent une remarquable énergie à travers leur lucidité dévastatrice et vitalité exaltée. L’interprétation bouillonnante de Jenna Thiam en Julien, chargé, par ses expériences et ses actions menées de main de maître, de construire le récit, est remarquable et chacun des acteurs/actrices donnent le change, jusqu’à la chorégraphie finale qui soulève la fine poussière du sol s’envolant en une subtile brume, peut-être celle des désillusions.

Depuis une huitaine d’années Pauline Bayle fait théâtre des textes littéraires avec une grande liberté et justesse. Elle avait adapté Homère, Iliade en 2015 puis Odyssée en 2017, suivis sur un autre mode de Chanson douce, de Leïla Slimani, en 2019. Les Illusions perdues qu’elle présente aujourd’hui dans sa quête d’un langage scénique brut et incandescent est un véritable plaisir de théâtre.

Brigitte Rémer, le 26 septembre 2021

Avec : Charlotte Van Bervesselès, Hélène Chevallier, Guillaume Compiano, Alex Fondja, Jenna Thiam et la participation de Viktoria Kozlova, en alternance avec Pauline Bayle. Assistante à la mise en scène Isabelle Antoine – scénographie Pauline Bayle et Fanny Laplane – lumières Pascal Noël – costumes Pétronille Salomé – son Julien Lemonnier – régie générale et lumières Jérôme Delporte et David Olszewski – régie plateau Ingrid Chevalier, Lucas Frankias et Juergen Hirsch.

Du 13 au 18 septembre 2021 à 20h, du 20 septembre au 16 octobre à 21h, relâche les dimanches – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette 75011 Paris – métro : Bastille – tél. : 01 43 57 42 14 – www.theatre-bastille.com – En tournée en 2021 : 09/11, Saint-Cloud (92), Les 3 pierrots – 16/11, Épernay (51), Le Salmanazar – 23/11, Évreux (27) Le Tangram/Cadran – 26/11/ Saint-Valéry-en-Caux (76), Le Rayon vert – 07/12, Boulogne-Billancourt (92), Le Carré Belle-Feuille. La tournée se poursuit en 2022.

Maîtres anciens

Un projet de et avec Nicolas Bouchaud – texte Thomas Bernhard – adaptation Nicolas Bouchaud, Éric Didry, Véronique Timsit, dans une traduction de Gilberte Lambrichs – mise en scène Éric Didry – Théâtre de la Bastille.

Nous sommes au Kunsthistorisches Museum, le Musée d’art ancien de Vienne. Trois personnages forment la toile de fond du récit féroce de Thomas Bernhard autour du tableau L’Homme à la barbe blanche du Tintoret : le protagoniste, Reger, vieux critique musical qui se rend tous les deux jours sauf le lundi au musée depuis plus de trente ans, pour observer le tableau, tout en se déclarant être un détestateur de musée ; Irrsigler, le gardien de la salle Bordone où se trouve le tableau et qui lui réserve quotidiennement la banquette faisant face à l’œuvre ; Atzbacher, le narrateur, à qui Reger a donné rendez-vous sans qu’il en connaisse la raison et qui s’est glissé dans la salle bien à l’avance pour observer à la volée son ami, dans sa pétrification devant l’œuvre.

Le narrateur se souvient à voix haute des conversations et citations de Reger, homme radical s’il en est, rapporte ses ressassements et sa logorrhée pleine d’épines à l’égard de tout et de tous. Reger dénigre, vocifère, invective, tempête et met en pièces jusqu’à l’étourdissement le milieu artistique viennois, littéraire et musical, qu’il a côtoyé au cours de sa carrière, la société viennoise dont il remet en cause les fondations, et au final sa propre vie. Il y a quelque chose de vital dans sa démarche. Il cultive l’ironie et la provocation, le mépris et l’insulte dans le spectaculaire tourbillon de son mal-être distillé. L’État, les musiciens, les peintres qui ne font que de l’art d’État, les pédagogues, les maîtres anciens forcément corruptibles, tous, sont passés à la moulinette.

La langue de Thomas Bernhard (1931-1989) est d’une incroyable richesse, vélocité et intelligence. Maîtres anciens est son avant-dernière œuvre, écrite en 1985, elle porte pour sous-titre Comédie. C’est sur ce ton que Nicolas Bouchaud s’empare du texte et l’interprète. Les thèmes s’enchaînent entre contradictions et obsessions sans que le stylo ne quitte la page face au lecteur/spectateur pris dans les filets du chaos intérieur de son personnage. Et il repousse les limites jusqu’au burlesque. Reger, raconté par Atzbacher, devise sur l’art de rater chez tous les grands créateurs et remarque que chaque œuvre, chaque chef-d’œuvre, porte des défauts : les peintres ratent souvent les mains par exemple ; la perfection n’existe ni chez Goya ni chez Le Greco, ni chez Véronèse ni chez Klimt « Voyez Vélasquez, rien que de l’art d’État, et Lotto, et Giotto, uniquement de l’art d’État, toujours, comme ce terrible Dürer, précurseur et prédécesseur du nazisme… Les soi-disant maîtres anciens n’ont jamais fait que servir l’État ou servir l’église, ce qui revient au même… » Puis il accable les compositeurs : il n’y a pas de fugue parfaite, ni chez Bach ni chez Mozart ; Bruckner n’est que sentimental et kitsch ; parfaitement compromis, Beethoven massacre sa sonate n° 17, La Tempête, qui est médiocre, et dans ses œuvres « marche au pas cadencé ». Quant à Mahler malheur, il est affublé du terme de « compositeur le plus surfait du siècle. »

Les écrivains aussi en prennent pour leur grade : Adalbert Stifter, écrivain, peintre et pédagogue autrichien en tête : « Ce qui est le plus incompréhensible chez Stifter, c’est sa célébrité a dit Reger, car sa littérature, n’est rien moins qu’incompréhensible. » Les philosophes sont maltraités, Heidegger, « philosophe en pantoufles et bonnet de nuit des Allemands » au premier chef. Pascal, Montaigne, Voltaire, tous y passent. Sur un autre mode tout aussi virulent, quand Reger parle d’enfance il s’arrête sur la sienne qui lui fut un enfer, « Mes parents n’auraient pas demandé mieux que de me fourrer, dès ma naissance, dans leur coffre-fort, avec leurs bijoux et leurs valeurs, a-t-il dit » poursuit Atzbacher, avant de démolir les professeurs, ces « empêcheurs de vivre et d’exister » qui, au lieu d’éclairer les enfants sur l’art, leur en font passer le goût. Et, comme dans toute son œuvre, Thomas Bernhard attaque l’hypocrisie de la Nation autrichienne, son pays.

Derrière ce mouvement de désintégration appliquée, pourtant la mort rode et l’auteur fait volte-face semblant tout à coup lâcher prise en évoquant la mort de son épouse. Il parle avec émotion de sa rencontre avec elle, au Musée, sur cette même banquette de la salle Bordone. On entre petit à petit dans l’intimité de Reger que sa femme avait la chère habitude d’accompagner au musée. « Ma femme m’a sauvé » reconnaît-il. « Assis côte à côte, nous sommes la désespérance. » Le thème du deuil se met en place, et il raconte son enterrement. « Je suis mort aussi… » Là, la Comédie annoncée rejoint la réalité. Quand Thomas Bernhard écrit Maîtres anciens, sa compagne en effet, Hedwig Stavianicek, de trente-cinq ans son aînée, vient de disparaitre. Ce thème occupe tout l’espace de la fin du récit. « Voilà que meurt le seul être que nous ayons. »

Le chemin emprunté par l’auteur, dans ce texte, surprend, partant des hauts sommets de la déglingue philosophique, musicale, poétique et plasticienne il mène à l’intime, aux relations de Reger et de sa femme. Seul en scène, Nicolas Bouchaud, qui est à la fois Atzbacher, Reger et Irrsigler le gardien, montre une grande fluidité dans cette déambulation métaphysique et désespérée, aux frontières d’un certain burlesque. Le texte est adressé, et par deux fois il va cueillir dans le public la première fois une femme, qu’il fait monter sur scène et s’assoir sur le banc, tenant le rôle de l’épouse ; la seconde fois le regard d’un/d’une spectateur/spectatrice pour un cadeau qu’il va lui offrir, à savoir une place de théâtre (en l’occurrence pour le Théâtre de la Bastille.) C’est un clin d’œil faisant référence à la dernière page de Maîtres anciens où l’on découvre que Reger avait convoqué son ami Atzbacher pour l’inviter au Burgtheater voir La cruche cassée, de Kleist. « Effectivement, je suis allé, le soir, avec Reger, au Burgtheater et à La cruche cassée, écrit Atzbacher. La représentation a été exécrable. » Fin de partie.

Pour décliner toute la détestation portée par l’auteur, Nicolas Bouchaud monte au combat, sans armure – le texte lui suffit – avec ironie, distance et véhémence, avec son habituelle simplicité et énergie. Il a l’art de la pirouette. Thomas Bernhard lui va bien. Le monologue qu’il a construit avec Éric Didry et Véronique Timsit, la mise en scène d’Éric Didry faite dans une économie de moyens, la scénographie, les lumières et costumes qui servent le propos, ont élaboré une dramaturgie qui n’existe pas dans un texte écrit d’un seul bloc, sans paragraphes ni passages à la ligne, autant dire sans respiration. L’acteur et le metteur en scène se connaissent bien, le premier ayant mis plusieurs fois en scène le second, notamment dans des solos. Ce fut en 2015 dans Le Méridien, avec le discours prononcé par Paul Celan lors de la remise du prix Georg-Büchner, en 1960. En 2018, Un Métier idéal de John Berger l’histoire d’un médecin de campagne et de son humanisme et la même année La Loi du marcheur, à partir d’entretiens entre Serge Daney peu avant sa mort et Régis Debray, sur l’itinéraire du critique de cinéma. Au-delà de ces solos dans lesquels il est virtuose, Nicolas Bouchaud s’inscrit aussi dans différents collectifs où il est tout aussi flamboyant, comme il le fut autour de Didier-Georges Gabily, Joël Pommerat, Jean-François Sivadier et Frédéric Fisbach.

Ici, l’acteur construit sa partition avec incandescence, de changements d’humeurs en fantaisies taciturnes. Deux pauses musicales marquent un temps et nous reposent des idées fixes de Bernhard, même quand un pavé s’abat sur le disque vinyle en train de tourner, commentaire hautement symbolique chez ce critique musical et très drôle dans le contexte. Largo allegro, adagio, scherzo, allegretto, de mouvement lent à mouvement rapide et nerveux, nous suivons le guide. Le musée est sommairement représenté, et l’œuvre en papier kraft s’écroule devenant un royal manteau. Autre représentation de L’Homme à la barbe blanche un cadre vide ripoliné. Seul le combat entre l’acteur et la langue existe, trace de la tentative de survie de Reger. « C’est seulement lorsque nous nous sommes rendus compte, à chaque fois, que le tout et la perfection n’existent pas, que nous avons la possibilité de continuer à vivre » reconnaît enfin l’anti-héros de Thomas Bernhard, avant de poser les armes.

Brigitte Rémer, le 15 juin 2021

Collaboration artistique Véronique Timsit – scénographie et costumes Élise Capdenat, Pia de Compiègne – lumière Philippe Berthomé en collaboration avec Jean-Jacques Beaudouin – son Manuel Coursin – voix Judith Henry – régie générale et régie son Ronan Cahoreau-Gallier et Jean-Louis Imbert – régisseuse Bastille Véronique Bosi – Le texte est publié aux Éditions Gallimard, dans la traduction française de Gilberte Lambrichs.

Du 9 au 30 juin 2021 à 20 h 30 – Relâche le dimanche et les 17, 18, 19 et 21 juin – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette, 75011 – métro : Bastille, Voltaire – tél. : 01 43 57 42 14 – www.theatre-bastille.com

Sopro/ Le Souffle

Texte et mise en scène Tiago Rodrigues – Théâtre 71 Malakoff/scène nationale, Théâtre Jean Vilar de Vitry-sur-Seine, dans le cadre du Festival d’Automne – Spectacle en portugais surtitré en français.

Le poumon du théâtre selon Tiago Rodrigues serait le souffleur. Le metteur en scène, directeur du Teatro Nacional Dona Maria II, à Lisbonne, ne nous mène pas sous la scène d’un théâtre à l’italienne dans le traditionnel trou du souffleur. Il invite sous les projecteurs, la souffleuse de son théâtre, Cristina Vidal, femme de l’ombre depuis vingt-cinq ans qu’il a dû convaincre, et construit un récit sur le théâtre. Sopro, signifie Le Souffle. Elle se souvient de la chanson de Nina Simone, Wild is the Wind, dont la voix emplissait le théâtre quand elle y était entrée pour la première fois, reprise a cappella par la troupe, au cours du spectacle.

Un grand plateau vide où le temps a fait son œuvre, par la végétation qui se faufile entre les lattes du parquet – quelques herbes, un arbuste – plateau entouré d’un tissu translucide qui s’envole, poussé par un souffle magique, une méridienne rouge théâtre, deux chaises, une lumière crue. Il ne s’agit pas de Six personnages en quête d’auteur, même si, comme chez Pirandello, nous sommes en répétition, il s’agit de la construction d’un nouveau spectacle, avec six acteurs, à partir de la mémoire de la Souffleuse, dans un théâtre en ruines.

Il a dit… Il a répondu… Il a dit… Vêtue de noir, la Souffleuse donne le texte aux acteurs en suspens, dans un souffle, et permet de rejoindre les deux rives du théâtre. Pour Tiago Rodrigues le théâtre devient la métaphore du fleuve. Par les textes se construit le récit de la Souffleuse, sa découverte du théâtre à cinq ans, sa mémoire, textes fragmentés qui reviennent en un flux et reflux, déposant leurs alluvions de mots oubliés, puis restitués. On entend des fragments de Bérénice, Antigone, Les Trois Soeurs et L’Avare arrachés de leurs contextes qui, mis bout à bout, ont un nouveau statut de texte à travers le spectre de Racine, Sophocle, Tchekhov et Molière. Derrière, les mouettes et le bruit de la mer.

Ne pas mourir. Rester en vie. Surtout ne pas mourir écrit Tiago Rodrigues, dramaturge et metteur en scène. Pour lui la vie et la mort croisent le théâtre, le réel et la fiction se superposent, l’art et la vie s’apostrophent, l’acteur reste au bord du vide. Par une théâtralité singulière, simple en apparence mais conceptuelle et élaborée, Tiago Rodrigues pose la question du théâtre, du sens de ce qui se passe sur un plateau, il le montre par le débat/combat d’idées entre le metteur en scène et l’actrice, par les aléas d’une troupe. Il a pour exemple la troupe tg STAN avec qui il a longtemps travaillé et défend les mêmes interactions, sans hiérarchie, à l’intérieur de la troupe qu’il a créée avec Magda Bizarro en 2003, Mundo Perfeito : la liberté de jeu et la prise de décision collégiale comme mode d’organisation et bases de leurs relations, l’idée de nomadisme défendue jusqu’en 2014, date de sa nomination au Teatro Nacional.

Depuis plus de cinq ans, Tiago Rodrigues est connu et reconnu en France où ses textes sont traduits – et publiées aux éditions Les Solitaires intempestifs – où il a présenté plusieurs de ses spectacles : By heart en 2014 au Théâtre de la Bastille qui a par la suite mis le théâtre à sa disposition pour une occupation artistique de deux mois, au printemps 2016. Il a alors invité soixante-dix personnes à participer à la création de deux performances : Ce soir ne se répétera jamais et Je t’ai vu pour la première fois, et il a créé Bovary. En 2015, au Festival d’Avignon, il a donné une version très personnelle d’Antoine et Cléopâtre d’après Shakespeare, et en 2017 présenté Sopro. Le Festival d’Automne l’accueille cette année pour les reprises/re-créations de Sopro et de By Heart.

Tiago Rodrigues parle de façon métaphorique de l’invisible, ici, le souffle de la scène, ce qui est caché, les coulisses, l’inspiration de l’acteur accompagné de la Souffleuse comme d’un double. De noir vêtue, elle suit l’acteur comme le manipulateur s’efface derrière la marionnette Bunraku. Pour le metteur en scène « la figure du souffleur concentre non seulement l’histoire du bâtiment théâtral mais aussi l’essence du geste théâtral parce qu’elle est avant l’esthétique, avant la forme ; son travail est souterrain. » La théâtralité selon Tiago Rodrigues repose sur une économie de moyens devenue la base de sa grammaire théâtrale et se construit à partir du vide premier, ici le no man’s land d’un théâtre au passé. Avec l’équipe il construit la dramaturgie, invente ses codes – jamais les mêmes, de spectacle en spectacle – introduit l’illusion. Sopro serait comme un extrait du plus pur parfum dégageant l’essentiel du théâtre. Ni esbroufe ni moulins à vents, le style personnel qu’il imprime à partir de l’image d’une femme dans les ruines d’un théâtre où elle a travaillé toute sa vie comme souffleuse, apporte beaucoup d’émotion et parle de la fragilité de cet art de la scène. Pour s’imprégner de l’idée de ruines, la troupe a regardé les images d’archives de l’incendie du Teatro Nacional, en 1964, métaphore qui pourrait aussi évoquer, dans l’avenir, la disparition du théâtre. Et si le rêve devenait cauchemar et véritable dystopie ?

Brigitte Rémer, le 10 octobre 2020

Avec Isabel Abreu, Sara Barros Leitão, Romeu Costa, Beatriz Maia, Marco Mendonça, Cristina Vidal – scénographie et lumières, Thomas Walgrave – costumes, Aldina Jesus – son, Pedro Costa – assistant à la mise en scène, Catarina Rôlo Salgueiro – opération lumières, Daniel Varela – traduction, Thomas Resendes – surtitres, Rita Mendes – production exécutive, Rita Forjaz – Assistante production, Joana Costa Santos – production Teatro Nacional D. Maria II (Lisbonne) – production de la tournée francilienne Festival d’Automne à Paris – avec le soutien de l’Onda.

7 et 8 octobre 2020, au Théâtre 71 Malakoff/scène nationale, 3 place du 11 novembre, 92240 Malakoff – métro : Malakoff Plateau de Vanves – tél. : 01 55 48 91 00 – site : www.malakoffscenenationale.fr – Samedi 10 octobre, au Théâtre Jean Vilar de Vitry, 1 Place Jean Vilar, 94400 Vitry-sur-Seine – tél. : 01 55 53 10 60 – site : www.theatrejeanvilar.com

Les Bonnes

@ Jérôme Séron

Texte de Jean Genêt, mise en scène Robyn Orlin, au Théâtre de la Bastille – Coréalisation avec le Festival d’Automne à Paris.

La chorégraphe sud-Africaine Robyn Orlin s’empare de la célèbre pièce de Jean Genêt, Les Bonnes, mise en scène pour la première fois en 1947 par Louis Jouvet et présentée au Théâtre de l’Athénée. A partir d’un fait divers, le crime des soeurs Papin dans les années trente – deux domestiques qui avaient tenté d’assassiner leur maîtresse – Genêt a écrit une sorte de cérémonial où les deux sœurs exorcisent leurs ressentiments par le simulacre, les jeux de rôle et le travestissement, en mettant l’accent sur la tension entre les classes sociales et les conflits qu’elle génère.

Claire est la plus révoltée et dominatrice des deux soeurs ; Solange, plus réservée et inquiète essaie de la calmer ; Madame, qui entretient des relations floues avec elles leur offrant parfois les vêtements dont elle ne veut plus, est saisie par l’incarcération de son amant après dénonciation anonyme… Le jeu de la vérité approchant Monsieur étant libéré, pour ne pas se faire démasquer, Claire et Solange imaginent d’éliminer leur Maîtresse en lui faisant boire un tilleul dans lequel elles vont verser du poison. Elle ne le boira pas malgré l’insistance de Claire, et part retrouver son amant. Dans sa mégalomanie, Solange décrit sa mort et celle de Claire, leurs funérailles, fastueuses et théâtrales, dans un superbe monologue où « toutes les femmes de chambre portent nos couleurs. » Dans le dernier jeu de rôle auquel elles s’adonnent l’une et l’autre, Claire tient le rôle de Madame et boit le tilleul au poison, tandis que Solange poursuit sa diatribe, au comble de l’excitation.

Dans ce monde clos où l’univers dominant est celui de la violence, Robyn Orlin adjoint un quatrième personnage tout aussi dominateur, l’image, dans sa toute puissante, dialoguant avec les personnages, et qui tente de les avaler. Un grand écran posé à l’arrière scène renvoie l’image des personnages par le biais d’une caméra posée juste devant. Les acteurs – trois acteurs hommes dont les deux sœurs de couleur noire : Arnold Mensah, Claire – Maxime Tshibangu, Solange – Andréas Goupil, Madame – sur scène souvent de dos, apparaissent en gros plans sur écran comme des projectiles, et projettent leurs propres fantasmes. Ils s’inscrivent dans le décor de l’adaptation cinématographique de la pièce réalisée par Christopher Miles en 1975, s’approchent de la caméra et de l’écran et pénètrent dans le film grâce à un important travail d’incrustation vidéo (création vidéo Eric Perroys) complété par une habile écriture lumière (création lumière et régie générale Fabrice Olivier).

La vision de Robyn Orlin mêle théâtre, mouvement et cinéma dans le plus pur baroque et décalé, et dans la plus grande extravagance. Le texte de Genêt est bien là, dit intégralement par les acteurs, amplifiés dans tous les sens du terme et en combinaisons vert flashy, qui surgissent de la salle (création costumes Birgit Neppl). Madame, elle, est assise parmi les spectateurs avant d’entrer dans l’arène. Robyn Orlin relit Genêt à travers sa perception d’africaine du Sud qui a connu l’apartheid même si elle était du bon côté, et met l’accent sur la question des rapports sociaux et du dominant dominé. Frappée par le texte de Genêt dès l’adolescence lors d’une représentation à laquelle elle assistait dans son pays d’origine, elle s’était demandé pourquoi les rôles de Solange et de Claire n’étaient pas tenus par des acteurs noirs. Nombre d’années plus tard, alors que ce texte ne l’a pas quittée, elle passe à l’action.

Figure majeure de la scène artistique internationale, Robyn Orlin interroge depuis toujours les dynamiques politiques de son pays, performe, met en scène, explore les formes théâtrales et sait manier l’humour et l’ironie. Avec Les Bonnes, elle mène les acteurs sur des chemins escarpés où ils s’investissent à fond, frôlant par moments l’excès et l’hystérie. Ils renvoient avec virtuosité les fondamentaux de la pièce où domination, rivalité, cruauté, amour-haine, violence supposée et violence fantasmée, se disputent le plateau et l’écran. Le jeu théâtral devient, comme les rapports sociaux, outrancier et sophistiqué, derrière un jeu de déguisement-travestissement qui s’inscrit au cœur du sujet.

Brigitte Rémer, le 12 novembre 2019

Avec : Andréas Goupil, Madame – Arnold Mensah, Claire – Maxime Tshibangu, Solange – création lumières et régie générale Fabrice Ollivier – création costumes Birgit Neppl – création vidéo Éric Perroys – création musique Arnaud Sallé – assistante stagiaire à la mise en scène Adèle Baucher – régisseur Bastille Pascal Villmen –

Du 4 au 15 novembre 2019 – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette, 75011. Paris – métro : Bastille – tél. : 01 43 57 42 14 – site www.theatre-bastille.com

Le Mariage

D’après Witold Gombrowicz, traduction Paul Beers – spectacle de Timeau De Keyser et du Collectif Tibaldus – en flamand surtitré en français – au Théâtre de la Bastille.

Depuis plus d’une trentaine d’années le Théâtre de la Bastille ouvre ses portes à la scène flamande. Il accompagne aujourd’hui une nouvelle génération d’artistes portée par Guy Cassiers et le Toneelhuis d’Anvers, à travers le dispositif Project for Upcoming Artists for the Large Stage (P.U.L.S.) initié en 2017. L’objectif du programme consiste à faciliter l’émergence de la jeune création sur les plateaux, à favoriser le dialogue intergénérationnel et la recherche théâtrale. Pour porter ses essais artistiques le Collectif s’intéresse à l’auteur polonais Witold Gombrowicz, (1904-1969) révélé en France par Jorge Lavelli qui avait présenté Le Mariage en 1964, au Théâtre Récamier. Après avoir travaillé à partir de sa pièce Yvonne Princesse de Bourgogne – écrite entre 1933 et 1935 – le Collectif Tibaldus prolonge les interactions avec les personnages et présente aujourd’hui sa vision du Mariage, texte d’une grande force poétique dont Gombrowicz a entrepris l’écriture à Buenos-Aires pendant la guerre, pour la terminer en 1948. La pièce a été publiée en français en 1965.

Soldat polonais envoyé en France pendant la Seconde Guerre mondiale, Henri voit en rêve sa maison en Pologne et ses parents, Ignace et Catherine. La maison se transforme en auberge, les parents en aubergistes. L’Ivrogne rôde. Margot, fiancée d’Henri, servante à l’auberge, devient un enjeu de marchandage entre père et fils. Le premier, demande au second, de le faire couronner et s’engage à lui organiser un mariage dit convenable avec Margot. Mais en chemin Henri fomente de trahir son père. Celui-ci craint son fils à tel point qu’Henri se met dans la peau du personnage endossant réellement le rôle du traitre et passe à l’acte. Il chasse son père du trône, capture le pouvoir et s’autoproclame Roi espérant célébrer lui-même son mariage. Or, Margot a été bradée par l’Ivrogne à un ami d’Henri, Jeannot, en un simulacre d’union. Plein de jalousie, le jeune Roi devient mégalomane et tyrannique. On suit ses stratégies et ses faux-semblants, sa transformation en dictateur. La théorie du complot couve, Henri devient imprévisible, pénètre dans un monde onirique où il crée des personnages à son image, plein de vénération et d’obéissance. La cruauté, par la mort voulue de Jeannot, mène le Roi, persuadé de sa culpabilité, à ordonner qu’on l’arrête.

La pièce mène dans un monde fictif et mensonger où se mêlent les puissances divines et où il est difficile de démêler le vrai du faux. La rythmique de Gombrowicz, sa non psychologie des personnages, la déformation de la réalité et le va et vient de son héros entre monde intérieur et monde extérieur, apostrophent. Le Collectif Tibaldus s’est emparé de cette parodie qu’est Le Mariage et brouille les pistes. Il conduit le spectateur dans un véritable labyrinthe, interroge le théâtre en même temps qu’il questionne le genre, l’identité, la citoyenneté. L’adaptation scénique a la simplicité et la cruauté d’un jeu d’enfant. Simplicité, par la théâtralité basée exclusivement sur le jeu des acteurs en jeans et tee-shirt ; cruauté, par le machiavélisme du personnage central, Henri. Un travail sur la polyphonie flamande intervient dès le début du spectacle, juste après l’énonciation du nom de chaque personnage, qui s’affiche sur écran. La polyphonie revient comme un commentaire, par vagues successives, augmentant cet air de drame shakespearien. Chaque acteur a plusieurs rôles, glissant de l’un à l’autre, l’air de rien et change de visage. Comme les enfants le font dans leurs jeux, le travestissement est à l’honneur – ainsi la mère, jouée par un acteur -. La théâtralité passe par une esthétique du quotidien, on construit des châteaux de sable que la mer vient recouvrir et détruire tranquillement.

Les acteurs du Collectif Tibaldus se sont rencontrés dans une école de théâtre et voulaient déconstruire l’objet spectacle pour apporter une autre lecture. Centré sur l’acteur et sur la narration ils posent la question du théâtre, du rapport de l’acteur au texte. Ensemble, avec leur belle énergie et leur présence permanente sur scène, ils traversent la pièce dans une sorte de somnambulisme. Henri crée le rêve et le rêve crée Henri, une situation en amène une autre, et les acteurs changeant de statut oscillent entre le jeu et le non jeu, devenant à certains moments eux-mêmes spectateurs et désacralisant le théâtre. Un carré de craie dessiné au sol marque ce changement.

Brigitte Rémer, le 15 octobre 2019

De et avec Lieselotte De Keyzer, Sander De Winne, Simon De Winne, Lieven Gouwy, Ferre Marnef, Hans Mortelmans, Katrien Valckenaers, Hendrik Van Doom – Régie Marie Vandecasteele.

Du 9 au 12 octobre à 20h30, Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette, 75011 Paris – métro : Bastille – tél. : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille.com. A voir aussi : New skin, de Hannah de Meyer, spectacle en français.

Occupation 3 au Théâtre de la Bastille

Nathalie Béasse et son équipe ont investi le Théâtre de la Bastille et présentent jusqu’au 29 juin les spectacles créés par la Compagnie au cours des dix dernières années : Happy Child, Tout semblait immobile, Roses, Le bruit des arbres qui tombent. Autour des spectacles elle déploie de nombreuses autres propositions dont l’esquisse de sa prochaine création intitulée Aux éclats, dans un work in progress ; des workshops amateurs et professionnels ; des ateliers pour échanges entre acteurs et spectateurs ou pour croisements entre les disciplines – danse, musique et conte – la mise en réseau d’artistes rencontrés lors des résidences de la compagnie depuis plusieurs années ; et chaque soir, précédant le spectacle, une Histoire courte, impromptu de quelques minutes, mêlant acteurs et spectateurs dans le hall du théâtre et sur le trottoir.

Chorégraphe et metteure en scène, Nathalie Béasse signe la conception des créations et leur scénographie. Le Théâtre de la Bastille l’accompagne depuis 2010 et a présenté chacun de ses spectacles. Il lui ouvre ses portes cette année pour une longue traversée, selon un concept qui a fait ses preuves avec Tiago Rodrigues et le collectif L’Avantage du doute. Elle nous mène dans un univers poétique et loufoque, inventif et fantaisiste où se pratiquent le détournement d’objets, l’inventivité débridée, la dérision et le burlesque, la bifurcation, la rêverie. Elle construit des partitions gestuelles, musicales et visuelles qui surprennent et interrogent, et qui engagent physiquement les acteurs.

Avec Happy Child créé en 2008, on entre dans l’univers cruel du conte qui, sans qu’il soit nommé, fait référence au motif des enfants oubliés dans la forêt par leurs parents, comme dans Petit Poucet, ou Hansel et Gretel. Nathalie Béasse dit se référer aux rites de passage. La scène est recouverte de neige et il y a grand vent. Tout l’environnement oscille entre le gris pastel et le blanc. On entre dans un univers onirique et pictural où la réalité s’éloigne. Un homme tire de grands sacs qu’il empile, cinq personnes se retrouvent dans une sorte de no man’s land, une/des histoires se construisent, des objets apparaissent – cornes de renne, masques de fourrure, pistolet, perruques, vêtements – le récit est en discontinu et pointillés, avec habillages et déshabillages, travestissements comme dans les jeux d’enfants. Les vêtements tombent du ciel pris dans un tourbillon de mousson. Le spectateur invente sa partition. Voix, chant, piano, harmonium, déclamation, tonnerre, se croisent pour former un autre langage, proche de la parodie.

Dans Tout semblait immobile créé en 2013, trois conférenciers qui sortent de nulle part et semblent même s’être trompé d’endroit se lancent dans une prestation fiasco et la réunion de tous les ego. L’un arrive en retard, l’autre est chargé de cabas, le troisième, tatillon, organise son territoire. Le conte à nouveau s’invite et se superpose au burlesque, comme l’est, par exemple, la coupure d’électricité. La bande son ainsi qu’une toile peinte mènent dans la forêt où se perd le spectateur. On y rencontre les cruels parents, mère sorcière et père gros-cul qui se déplacent comme des culbutos. Nathalie Béasse construit des allers et retours à l’intérieur et à l’extérieur du conte, élabore des plongées et contre-plongées en toute liberté, travaillant en symbiose avec le langage cinématographique. Tombent des cintres un arbre, une cuvette, des objets qui s’intercalent un temps dans l’histoire pleine d’ogres, de sorcières et d’abandon, de peurs enfantines et d’émotions. Un objet amène à une histoire, ces déconstructions construisent d’autres histoires

Créé en 2014, Roses met le projecteur sur les personnages de Richard III de Shakespeare et invente, comme pour les autres spectacles, des instants visuels et physiques du plus pur imaginaire. Quatre hommes et trois femmes y dessinent, à partir d’une grande table qui se métamorphose, un cocasse champ de bataille.

En 2017, Le bruit des arbres qui tombent invente le gréement et la chorégraphie d’une immense voilure en plastique grise amarrée et pilotée aux quatre coins du plateau par les acteurs. Comme on dirige un bateau ils hissent cette grand-voile à partir des drisses qu’ils tirent, dessinent des figures jouant entre poids et contre poids. Ils font vivre ce quatre-mâts et la voile vole au vent, monte et descend, inspire et expire, se gonfle et se recroqueville, cache les projecteurs plaqués au gril et crée des jeux d’ombres et de lumières. L’adagietto de la cinquième symphonie de Mahler que Visconti avait choisi pour son film, Mort à Venise, accompagne les arabesques et bruissements de ce vaisseau fantôme qui nous fait voyager. La toile pliée les acteurs débutent une danse, légère d’abord, puis sauvage, puis enragée. « Je ne m’amuse plus comme avant… On était bien ensemble… » Un acteur dessine au marker sur son torse nu un cœur. Un autre subit une séance de chatouilles. Un autre devient acteur marionnette. De la terre tombe du ciel. Des litanies de l’Ancien Testament, se succèdent jusqu’à ce qu’un seau d’eau interrompe la logorrhée. Un grand sapin dans lequel s’est glissé un acteur, se déplace, comme une forêt à lui tout seul. Les acteurs vident puis remplissent de grands bacs de terre et se fixent des règles de jeu. Là encore on croise William S.

Dans les spectacles de Nathalie Béasse les actions se succèdent, avec frénésie, poésie et dérision. Le travail est choral, l’absurde pour vocabulaire, le fragment pour parcours. Il y a aussi la solitude et le désarroi, l’oblique et le décalé. Entre tension, palpitation, étonnement et vibration, on se promène avec elle dans les bois pendant que le loup n’y est pas. On ne sait ni où on est, ni où ça va se passer, ni vers quoi on va. Et si la vie est un songe, qu’est-ce que le théâtre et qu’est-ce que la vie ?

Brigitte Rémer, le 21 juin 2019

Du 13 mai au 29 juin 2019, à l’affiche, quatre spectacles, dans la conception, scénographie et mise en scène de Nathalie Béasse – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette 75011. Paris – métro : Bastille ou Voltaire – tél : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille.com

. Happy Child – Avec Étienne Fague, Karim Fatihi, Érik Gerken, Anne Reymann, Camille Trophème – lumières Natalie Gallard – bande sonore Julien Parsy – sculpture Corinne Forget.

. Tout semblait immobile – Avec Étienne Fague, Érik Gerken, Camille Trophème – lumières Natalie Gallard – musique Camille Trophème – construction décor Étienne Baillou – peinture Julien Parsy.

. Roses – Librement adapté de Richard III de Shakespeare, traduction Jean-Michel Déprats – Avec Sabrina Delarue, Étienne Fague, Karim Fatihi, Érik Gerken, Béatrice Godicheau, Clément Goupille, Anne Reymann – lumières Natalie Gallard – musique Nicolas Chavet, Julien Parsy.

. Le bruit des arbres qui tombent – Avec Estelle Delcambre, Karim Fatihi, Érik Gerken, Clément Goupille, lumières Natalie Gallard, musique Nicolas Chavet, Julien Parsy.

Atelier

Spectacle des collectifs tg STAN, de Koe et Maatschappij Discordia – de et avec Matthias De Koning, Damiaan De Schrijver, Peter Van den Eede – au Théâtre de la Bastille, en co-réalisation avec le Festival d’Automne à Paris.

Les spectateurs s’installent de chaque côté de l’espace scénique, espace bricolé de type entrepôt où sont entassées de hautes piles de caisses bleues en plastique. Un vieux tapis, un seau, traînent par-là, des étagères pleines de bimbeloterie semblent couvertes de poussière. Les trois acteurs vont et viennent dans ce no man’s land et attendent, une passerelle de bric et de broc suspendue au-dessus de leurs têtes.

Pendant le premier quart d’heure, ils s’attachent à faire disparaitre les caisses et construisent, planche après planche et sur plusieurs couches entrecroisées, un sol qui restera accidenté et étouffe la lumière des néons posés au sol. La soirée est muette et les acteurs se dépassent en inventivité appliquée, avec bonhommie, construisant l’absurde en une succession de gags et d’objets : du tuyau de poêle au rabot, du rouleau de nappe en papier au transistor-violon, des tréteaux aux sabots. Ils créent des espaces, dessinent une porte puis la découpent, repeignent un mur de plastique, passent des obstacles, se peinturlurent le crâne, enduisent de colle le papier peint, déballent leurs chemises, passent leurs chemises, salissent leurs chemises, s’installent dans des fauteuils et préparent le thé de cinq heures. L’air de pince-sans-rire chacun s’occupationne et se crée des accidents de parcours. Bricoleurs du dimanche ils détruisent autant qu’ils construisent, pastichent le théâtre shakespearien et la mise à mort au Golgotha, surprennent, avec l’image finale du retournement des morts. Il y a un humour corrosif, de l’arrogance et du burlesque, pourtant le propos flotte. On fait collection d’instants dont les premiers effacent les suivants, et les acteurs ne sont ni Groucho Marx ni Chaplin, ni Keaton ni Grock.

Trois collectifs se sont fédérés pour cette polyproduction : les compagnies tg STAN et de KOE venant d’Anvers, le collectif néerlandais Maatschappij Discordia, Le programme parle de fabrique de théâtre et origine du geste créateur. Le geste semble pourtant venir de la protohistoire et de l’ante-diluvien. Le collectif pose ses questions : « Les créateurs de théâtre disposent- ils d’un atelier – tout comme les sculpteurs et les peintres – et, si oui, à quoi ressemble-t-il ? Qu’y font-ils comme travail, où, comment, quand et pourquoi travaillent-ils ? Est-ce du travail ? » Du radeau dont ils parlent ne reste que la méduse des mangroves catégories scyphoméduses aux formes opaques et massives, assimilée dans la mythologie grecque aux monstres. Mais en croisant leur regard le spectateur n’est pas même changé en pierre. Et poussé par les vents, il repart.

Brigitte Rémer le 13 octobre 2018

De et avec Matthias de Koning, Damiaan De Schrijver et Peter Van den Eede – costumes Elisabeth Michiels – technique Pol Geussens Bram De Vreese Tim Wouters – www.stan.be www.discordia.nl – En tournée : 14 au 17 avril 2019, Comédie de Genève.

Du 1er au 12 octobre 2018 à 20h, dimanche à 17h, relâche le jeudi 4 et le mardi 9 octobre – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette 75011- Métro Bastille – Tél : 01 43 57 42 14 – Site www.theatre-bastille.com et www.stan.be/deroovers.be – www.dekoe.be –

Infidèles

Spectacle de tg STAN et de Roovers, d’après le scénario Infidèles et l’autobiographie Laterna Magica d’Ingmar Bergman – Au Théâtre de la Bastille, en coréalisation avec le Festival d’Automne à Paris.

Depuis plusieurs années tg STAN travaille en contre-plongée sur l’œuvre d’Ingmar Bergman (né en 1918, mort en 2007 sur l’île de Fårö) et le Théâtre de la Bastille depuis 2001, accompagne ses créations. La première d’une série de trois présentée cette saison, Infidèles, place le réalisateur face à ses personnages, à sa vie, à son œuvre. Nous sommes aux frontières de la fiction et de la réalité où l’art et les sentiments se mêlent, où le geste artistique a rendez-vous avec l’intime.

Le spectacle part du scénario écrit par Ingmar Bergman en même temps qu’il fait référence au film réalisé par Liv Ullmann, Infidèle sans « s », tourné en 2000 et présenté à Cannes. Tg STAN y intègre des éléments de Laterna Magica, œuvre autobiographique de Bergman. Une femme se raconte et reconstruit son histoire amoureuse telle que perçue dans la fantasmatique du réalisateur. Il la nomme Marianne, elle met en scène ses vérités, sa vie. On entre dans le spectacle à petits pas, sur un ton ludique, sorte de jeu d’amour et de hasard. Petit à petit se dessine des portraits et s’élabore le récit, dans une puissante montée dramatique.

Autour de Marianne, son époux, Markus, chef d’orchestre, souvent sur les routes pour des tournées internationales, qui vibre à l’écoute du tumultueux et romantique andante du Quatuor pour piano et cordes opus 60 de Joannes Brahms évoquant l’amour secret du compositeur, pour Clara Schumann sa muse. David, ami de Markus et d’un couple qui semble heureux, met en scène Le Songe de Strindberg dans un climat houleux, quelques extraits très kitch seront montrés, soulignés de vert par des lumières flashy et des acteurs rococos. David rend souvent visite à ses amis et aime à raconter des histoires à leur fille, Isabelle, âgée de neuf ans, qui peuple sa chambre de trolls et de fantômes.

Mais la belle machinerie s’emballe quand le mensonge s’installe et qu’un soir en l’absence de Markus, la relation entre David et Marianne change de nature. Les petits arrangements n’ont qu’un temps et Markus, l’homme blessé, déclenche les hostilités. « Tu pleures… C’est toujours un jeu ? » demande-t-il. « C’est une affaire d’âme » répond-elle. On assiste au naufrage du couple, à celui de Marianne, puis celui de Markus qui va jusqu’au suicide, tandis que David poursuit ses conquêtes. La découverte d’un mensonge réciproque en la personne d’une autre femme auprès de Markus, Margareta, laisse Marianne dans le vide et Isabelle, qui avait tant aimé ce pique-nique au lac avec son père, semble oubliée de tous.

Marianne se plie au jeu de l’auteur et le guide pour remonter le temps. Elle lui permet ainsi d’écrire un nouveau scénario à partir de son histoire d’amour passée. Au-delà de ce portrait de femme et du chaos intérieur des personnages, s’esquissent les étapes d’une œuvre torturée qui conduit dans le labyrinthe de la condition humaine, semblable à l’œuvre de Bergman. Metteur en scène pour le théâtre, réalisateur à partir de 1946 de nombreux films devenus cultes, du Septième Sceau en 1957 à Persona en 1966, de Cris et chuchotements en 1972 à Fanny et Alexandre en 1982, il fut aussi écrivain. Franck Vercruyssen, du collectif Tg STAN et de Roovers, se passionne pour son écriture.

Le collectif a travaillé sur deux de ses textes, Après la répétition et Scènes de la vie conjugale. Dans un réalisme troublant et une simplicité élaborée, quatre acteurs aux sensibilités éclatées, servent magnifiquement le propos : Ruth Becquart, Robby Cleiren, Jolente De Keersmaeker et Frank Vercruyssen. On ne trouve ici ni métaphysique ni onirisme à travers les textes rassemblés qui se fondent en un, seulement des vérités, à chacun la sienne. Infidèles invite à une plongée abyssale dans une analyse à cru des comportements du couple, jusqu’au vertige.

Brigitte Rémer, le 15 septembre 2018

De et avec Ruth Becquart, Robby Cleiren, Jolente De Keersmaeker et Frank Vercruyssen – costumes An D’Huys – lumières Stef Stessel – technique tg Stan et de Roovers – régisseur Bastille Mathieu Bouillon – traduction du suédois Une affaire d’âme d’Ingmar Bergman in Cahiers du cinéma, 2002, par Vincent Fournier.

10 au 28 Septembre 2018 – Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette 75011- Métro Bastille – Tél : 01 43 57 42 14 – Site www.theatre-bastille.com et www.stan.be/deroovers.be – Le 22 septembre, à partir de 19h, projection de la nouvelle version du film de Bergman, Persona (1966) avec Bibi Anderson et Liv Ulmann, suivie d’un échange avec Frank Vercruyssen du collectif tg STAN et un spécialiste de l’œuvre du cinéaste. Tg STAN présente aussi au Théâtre de la Bastille, Atelier du 1^er au 12 octobre et Après la répétition du 25 octobre au 14 novembre, dans le cadre du Festival d’Automne.

Les Émigrants

D’après Les Émigrants/Die Ausgewanderten de W. G. Sebald – Traduction de l’allemand Patrick Charbonneau – Adaptation et mise en scène Volodia Serre – au Théâtre de la Bastille.

Né en Allemagne en 1944, Winfried Georg Sebald, dit Max Sebald, quitte son pays à vingt-deux ans, faisant acte de résistance face au silence qui règne sur les crimes nazis, dans son pays. Il part étudier la littérature, en Suisse et en Angleterre et obtient son doctorat. Tout en enseignant la littérature européenne il se lance dans un long travail de recherche et d’enquête sur les émigrés, les disparus, sur ceux qui, comme lui, ont quitté leur pays et tenté de s’adapter, ailleurs. Il publie, dans les années 90, une trilogie : Vertiges, Les émigrants et Les Anneaux de Saturne.

Avec Les Émigrants, se mêlent la vie et la fiction. Nous pénétrons dans un studio de radio où se tient une table ronde sur la guerre et ses exactions, sur les parcours de vie dans ces années-là. Quatre acteurs sont autour d’une table. Sebald pourrait être ce journaliste radio faisant fonction de narrateur et qui travaille sur la recherche de vérité. La narration est relayée par les commentaires de ses interlocuteurs. Le studio radio serait une métaphore de son écriture. La dramaturgie se construit dans cet entre-deux des lectures de l’œuvre et de l’incarnation par les acteurs de personnes qui ont réellement existé, et qui ont disparu : Henry Selwyn, Paul Bereyter, Ambros Adelwarth et Max Ferber. Par leur appartenance juive ou celle de leurs familles, ils ont été contraints de quitter leurs pays et ont sillonné l’Europe, cherchant leurs points d’ancrage. Ils ont vécu avec l’idée du suicide comme compagne, trois sur quatre sont passés à l’acte, y compris tardivement quand le passé remonte à la surface. Leurs fils veulent comprendre. On interroge les témoins.

Quatre enquêtes se déroulent sous nos yeux à la recherche de ces fantômes et remontent le temps – Sebald étant considéré comme un ghostchaser, un chasseur de fantômes – sa vie se superpose aux récits, il crée des personnages atteints du syndrome du survivant, de culpabilité. Le parcours est balisé de photos et de cartes montrant les parcours hors du commun de ces émigrants, de bribes et de signes éparpillés comme des articles de journaux, des morceaux de partitions ou de plans de villes, des restes de lettres, des dessins d’écolier, des carnets de voyage. Le spectacle est construit en quatre séquences dont l’inventivité sort ses trésors de grandes boites qui se dévoilent au fur et à mesure, servant la démonstration du propos.

Henry Selwyn, quitte Vilnius à l’âge de sept ans avec sa famille, pour la Grande Bretagne. Élève brillant, il cache son identité et devient chirurgien. On voit des images de son jardin à l’abandon et du cimetière attenant à sa maison, l’ombre de Nabokov poussé à l’exil lors de la révolution d’octobre, en Russie, des traces de son voyage en Crète, des coupures de journaux. Henry Selwyn meurt d’une crise cardiaque au volant de sa voiture, peu de temps après avoir fait des aveux : « Pendant des décennies les images de cet exode s’étaient effacées de sa mémoire, mais, ces derniers temps, dit-il, elles revenaient, elles se manifestaient de nouveau » écrit Sebald.

Paul Bereyter fut l’instituteur de Sebald, photos et plans de la classe nous sont montrés ainsi qu’une excursion avec la classe, l’instituteur cherchant à transmettre les savoirs non-inscrits au programme. Il légende une photo sur les instituteurs en formation : École de dressage pour instituteurs. Il fut radié de l’enseignement en 1934 en raison d’un grand-père juif et quitta son pays et sa fiancée, la belle Helen. D’autres photos placent le décor de l’époque : l’auto de son père, signée 1920, Helen et les moments heureux. Les acteurs se transforment en élèves et recréent la classe. Une grande maquette de train refait l’histoire de Paul Bereyter. Lui s’est allongé sur les rails, pour en finir, en 1984.

Né en 1886, Ambros Adelwarth est le grand-oncle du narrateur qui superpose son histoire familiale avec le docu fiction qu’il écrit. Il s’est formé à l’école hôtelière de Montreux, il en reste des photos de l’Hôtel Eden où il s’est exercé au métier. Quelques traces de ses voyages sortent des boites sous forme de photos. Ainsi la maison sur l’eau où il vécut à Kyoto, son passage en terre sainte avec Cosmo Solomon son ami, fils d’un banquier new-yorkais. Les photos montrent leur fréquentation des casinos, la riche maison de la famille de Cosmo, à Long Island. Plus tard son ami deviendra fou. De retour aux États-Unis, dans les années 60, Ambros retrouve sa tante, Fini. Elle parlera plus tard des hallucinations de son neveu et de sa manière de disparaitre en se cachant dans les armoires, l’art de se retirer du monde. Il se laissera mourir dans une clinique psychiatrique, à Ithaca.

Le quatrième parcours est celui de Max Ferber, juif allemand exilé à Manchester en 1939, à l’âge de quinze ans, peintre et inventeur singulier, de retour dans la pension qu’il avait fréquentée, à Manchester. Il crée la teasmade, « à la fois machine à infuser le thé et réveille-matin ! » de même qu’il peint les paysages industriels de la ville et cherche la nature. Sebald retrouve son œuvre à la Tate Gallery. Les souvenirs de Luisa Lansberg, mère de Ferber, sont rapportés par le narrateur qui montre la maison de famille de Bad Kissingen et dans cette même ville le cimetière juif aux tombes envahies par la végétation. Envoyé par ses parents en Angleterre, Ferber ne sut que tardivement qu’ils avaient été déportés.

Quand le passé ressurgit et que les racines se perdent, la mélancolie gagne. Les personnages alors après avoir résisté, s’effacent et décident de l’asile ou bien de la mort. Les Émigrants est une enquête et le récit de l’enquête finement menée par les acteurs-journalistes, dans un environnement minimaliste d’objets oubliés qui nous font voyager et abolissent le temps. Ces fragments montrent une grande porosité entre le passé et le présent là où se perdent les références. Volodia Serre, metteur en scène, est aussi acteur et débat, autour de la table. La théâtralité choisie colle au propos et oblige le spectateur à la réflexion. La musique de Schubert sur les poèmes de Rückert, les chansons de Marianne Faithfull dont There Is A Ghost sur la musique de Nick Cave, ou In Germany Before The War sur celle de Randy Newman, Léonard Cohen avec You Want It Darker accompagnent ce long parcours et ces récits de vie proposés en deux parties. « Difficiles à découvrir en effet, déposés entre les lames de schiste, les vertébrés ailés de la préhistoire. Mais quand j’ai sous les yeux, sur un tableau, les nervures de la vie passée, je me dis toujours que cela a quelque chose à voir avec la vérité » dit Sebald.

Brigitte Rémer, le 7 avril 2018

Avec : Olivier Balazuc, Gretel Delattre, Pierre Mignard, Volodia Serre – scénographie  Mathias Baudry – lumières  Kévin Briard - son et musique  Frédéric Minière, avec Anna Holveck – costumes  Hanna Sjödin – régie générale Juloie Roels – assistant à la mise en scène Ludovic Lacroix.

Du 20 au 31 mars 2018, au Théâtre de la Bastille, 76 rue de la Roquette 75011 – tél. : 01 43 57 42 14 – site : www.theatre-bastille.com

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